Le point tournant de l'éducation musicale de Stravinski est sa rencontre avec Nikolaï Rimski-Korsakov pendant l'été 1902. « Je lui exposai mon désir de devenir
compositeur et lui demandai son avis. », raconte-t-il. Le célèbre compositeur, lui déconseillant le Conservatoire, lui dit qu'il serait prêt à lui enseigner une fois qu'il aurait acquis les
notions élémentaires d'harmonie et de contrepoint. C'est l'été suivant que Rimski-Korsakov commence à lui donner des leçons, après avoir entendu sa Sonate pour piano en fa dièse mineur.
Ces enseignements, qui continuèrent jusqu'à sa mort, se sont principalement centrés sur l'art de l'orchestration et des formes classiques.
« Il me donnait à orchestrer des pages de la partition de piano d'un nouvel opéra qu'il venait d'achever. Quand j'avais orchestré un fragment, il me montrait
son instrumentation personnelle du même morceau. Je devais confronter les deux et c'est encore moi qui devais lui expliquer pourquoi lui l'avait orchestré autrement. Dans le cas où je
n'y arrivais pas, c'est lui qui me l'expliquait. »
Igor Stravinski épouse en 1906 sa cousine Catherine Gavrilovna Nossenko qui lui donnera quatre enfants : Fiodor (dit Théodore) en 1907, Lioudmilla en 1908, Sviatoslav (dit Soulima) en 1910
et Milena (dite Milène) en 1914.
La première œuvre composée par Stravinski lors de son apprentissage avec Rimski-Korsakov est la Symphonie en mi bémol, en 1907. Suivront le Scherzo
fantastique et Feu d'artifice, celui-ci interrompu à l'annonce de la mort de son maître le 21 juin 1908. Stravinski compose alors un Chant funèbre à sa mémoire,
œuvre perdue durant la Révolution russe. La création du Feu d'artifice, le 6 février 1909, est décisive pour la carrière du compositeur, car Serge de Diaghilev est
présent.
Les premiers grands succès
Au moment où Diaghilev découvre Stravinski, il est déjà très populaire à Paris, non pas avec des ballets, mais plutôt avec des concerts de musique russe et des
opéras, dont la création française de Boris Godounov. Au début de 1909, il s'attaque au ballet. Pour Les Sylphides, il demande à plusieurs compositeurs d'orchestrer des pièces
de Chopin. Impressionné par le Feu d'artifice qu'il vient de voir, il demande à Stravinski d'orchestrer le Nocturne en la bémol majeur et la Valse brillante en mi bémol
majeur destinée au final.
Au cours de l'été, alors que Diaghilev part pour Paris où il rencontre un succès extraordinaire avec sa première saison des Ballets russes, Stravinski se retire à
Oustiloug pour composer le premier acte de son opéra Le Rossignol. Cependant, il devra interrompre sa composition puisque Diaghilev lui commande un premier ballet. Pour sa nouvelle
saison, il désirait présenter une œuvre inédite, inspirée de la légende de l'oiseau de feu. Anatoli Liadov devait à l'origine en écrire la musique, mais étant un compositeur trop lent, il décida
de se tourner vers Stravinski, qui était alors âgé de vingt-sept ans. L'immense succès de L'Oiseau de feu, créé le 25 juin 1910, fait du compositeur une vedette instantanément.
Après L'Oiseau de feu, les deux prochains ballets que Stravinski composera pour la troupe de Diaghilev marqueront un changement de direction dans son
approche musicale. Alors que L'Oiseau de feu est encore bien ancrée dans la tradition post-romantique héritée, entre autres, de Rimski-Korsakov, Petrouchka, créé le 13 juin
1911, marquera une rupture importante. Stravinski y abandonne toute l'harmonie chaleureuse et « magique » de L'Oiseau de feu, caractérisée entre autres par l'utilisation
abondante du chromatisme. Il utilise maintenant la « polytonalité » et la juxtaposition de séquences rythmiques.
Les deux années suivantes, Stravinski compose très peu de pièces : deux cycles de chants et une brève cantate mystique, Le Roi des étoiles. Cependant,
il compose ce qui va devenir probablement son œuvre la plus célèbre et qui lui assurera définitivement une place parmi les compositeurs les plus marquants du XXe
siècle. Il s'agit du Sacre du printemps. Sa création, une des plus scandaleuses de l'histoire de la musique, eut lieu le 29 mai 1913 au Théâtre des Champs-Élysées, à Paris, sur une
chorégraphie de Vaslav Nijinski. Le compositeur décrit ainsi la représentation dans ses Chroniques de ma vie : « [J'ai] quitté la salle dès les premières mesures du prélude,
qui tout de suite soulevèrent des rires et des moqueries. J'en fus révolté. Ces manifestations, d'abord isolées, devinrent bientôt générales et, provoquant d'autre part des contre-manifestations,
se transformèrent très vite en un vacarme épouvantable. » Dans le Sacre, Stravinski approfondit les éléments déjà expérimentés avec ses deux premiers ballets, soit le rythme et
l'harmonie. L'un est constitué d'un dynamisme sans précédent, alors que l'autre repose en partie sur l'utilisation d'agrégats sonores.
L'après Sacre
Quelques jours après la première représentation du Sacre du printemps, Stravinski attrape une forte fièvre typhoïde qui l'oblige à passer six semaines dans une maison de santé à Neuilly.
À sa sortie, il compose les trois petites chansons dites Souvenirs de mon enfance, mais déjà, il décide de se remettre à son opéra Le Rossignol, dont la composition avait été
interrompue au premier acte lorsqu'il reçut la commande de L'Oiseau de feu, en 1909. Cependant, son style ayant beaucoup changé depuis, Stravinski fera du premier acte de 1909 une sorte
de prologue, justifiant ainsi les différences musicales entre celui-ci et le reste de l'opéra. Le poème symphonique Le Chant du rossignol, qu'il en tire en 1917, est considéré par
plusieurs comme étant « un adieu définitif au Sacre. »
Les années suivantes voient Stravinski aborder des formations plus restreintes, alors que les activités de Diaghilev et des Ballets russes sont interrompues par la
guerre. Lors de son dernier voyage en Russie, un mois seulement avant le début de la Première Guerre mondiale, le compositeur rapporte deux recueils de chants populaires russes, qui serviront de
base à la plupart de ses œuvres jusqu'à Pulcinella, en 1920. Ce n'est qu'en 1962 que Stravinski remettra les pieds dans son pays natal, cette fois en tant que citoyen américain.
Entre 1914 et 1917, Stravinski compose Les Noces, relatant un mariage paysan russe. Cependant, n'arrivant pas à se décider quant à l'instrumentation de
l'œuvre, il ne l'achèvera que six ans plus tard, pour voix, quatre pianos et percussions. C'est entre 1915 et 1916 que le compositeur termine Renard(pour quatre voix et dix-sept
musiciens), d'après le conte populaire russe du renard et du coq.
En 1917, au lendemain de la Révolution de Février, Stravinski passe quelques temps à Rome, en compagnie de Diaghilev, Massine, Bakst, Cocteau, Ansermet et, surtout,
Picasso, avec qui il développe une grande amitié et qui fera de lui trois portraits célèbres (un en 1917 et deux en 1920). À son retour de Rome, Stravinski est bouleversé d'apprendre que sa
gouvernante allemande, qui l'avait élevé dès sa naissance et à laquelle il « était profondément attaché et [qu'il] aimait comme une seconde mère», est décédée. Quelque mois plus tard, il
s'agit de son frère Goury qui meurt sur le front roumain. Stravinski se trouve à ce moment dans une situation matérielle très précaire, arrivant difficilement à nourrir sa femme et ses quatre
enfants. Il imagine donc, en collaboration avec l'écrivain Charles Ferdinand Ramuz et le chef d'orchestre Ernest Ansermet, un spectacle de poche ambulant. Ce sera L'Histoire du soldat,
spectacle pour trois récitants et sept musiciens, terminé en 1918. L'œuvre qui suivra marquera un point tournant très important dans la carrière du compositeur, car il s'agit de sa première
composition de sa période dite néoclassique.
Pendant la période de la guerre, Stravinski habitait principalement en Suisse (avec un voyage en Italie et un autre en Espagne), ensuite dit-il « comme après
la paix, la vie active dans toute l'Europe, et surtout en France, avait repris de la façon la plus intense, (...) je résolus de transporter mes pénates en France où alors battait le pouls de
l'activité mondiale »
Le néoclassicisme
Avec Pulcinella (1920), d'après Pergolèse, débute la période dite « néoclassique » de Stravinski (une voie d'ailleurs explorée, juste avant lui,
par des compositeurs comme Georges Enesco avec sa Suite d'orchestre op. 20 ou Maurice Ravel avec son Tombeau de Couperin) : elle durera jusqu'à l'opéra The Rake's
Progress, en 1951. Il emprunte alors aux musiques de : Machaut, Bach, Weber, Rossini, Tchaïkovski et d'autres, mais avec un humour, un métier et une originalité n'ayant rien d'une
épigone. Du printemps 1921 à l'automne 1924, Stravinski vit à Biarritz sur la côte basque. Ses amis Ravel, Alexandre Benois, Arthur Rubinstein, mais surtout Coco Chanel et une riche Chilienne qui
deviendra son mécène, Mme Errazuriz, l'avaient encouragé dans ce choix. A la fin 1924, la famille déménage à Nice. Cette période voit naître de nouvelles œuvres comme Symphonie d'instruments
à vent (1920), l'Octuor pour instruments à vent (1922-1923), la Symphonie de psaumes (1929-30), la Symphonie en trois mouvements (1945), Orphée (1947) ou
la Messe (1948), mais aussi l'opéra bouffe Mavra (1922), l'opéra-oratorio Œdipus Rex (1928), les ballets Apollon musagète (1928) et Jeu de cartes
(1936), le mélodrame Perséphone (1934), le concerto Dumbarton Oaks (1938) et la Symphonie en ut (1940).
Vers 1950, face à l'impact grandissant des trois Viennois (Schönberg, Berg, et surtout Webern) et dans une moindre mesure de Varèse — qui lui travaille plus avec
les sons qu'avec les concepts et l'héritage du passé —, Stravinski peut apparaître comme le porte-parole de la « réaction » musicale. Il effectue alors sa volte-face apparemment la plus
spectaculaire en adoptant un sérialisme très personnel, plus dans la lignée de Webern que de Schönberg. En témoignent après de timides essais dans la Cantate de 1952 sur des textes
médiévaux anglais, le Septuor — en particulier la gigue, clin d'œil au Schönberg de l'opus 23 (1953) —, les Trois chants de Shakespeare (1953), In memoriam Dylan Thomas
(1954) puis, surtout, le Canticum Sacrum (1956) et le ballet Agon (1957). Son style se fait dépouillé, d'une grande austérité, et l'inspiration religieuse occupe une place
importante, avec Threni (1958), œuvre maîtresse, Abraham et Isaac (1963) dédiée à la nation d'Israël et chanté en hébreux, le lugubre Introïtus (1965) ou encore les
ultimes Requiem canticles (1966) qui semblent un résumé de toute son œuvre. Citons encore Mouvements pour piano et orchestre (1959) très webernien d'allure et les méconnues
Variations (Aldous Huxley In Memoriam) pour orchestre (1963) où le vieux lion tient la dragée haute à toute la jeune génération : plusieurs passages font penser au Karlheinz
Stockhausen des Gruppen. Il meurt le 6 avril 1971 à New-York après avoir présenté The Rake's Progress.
Son œuvre
Une œuvre d'une profonde unité
Pour Stravinski, la musique est destinée à « instituer un ordre dans
les choses, y compris et surtout un ordre entre l'homme et le temps [...]. La construction faite, l'ordre atteint, tout est dit. »
On a l'habitude de diviser l'évolution de Stravinski en trois périodes : russe, néoclassique et sérielle. Mais, en ses débuts, il
recrée plus qu'il n'emprunte le matériau folklorique, et les éléments de son langage ne sont pas de provenance russe, mais marquent l'aboutissement de certaines traditions occidentales. Son
néoclassicisme est quant à lui non pas un pastiche, mais le point de départ d'une recherche, celle de l'objectivité stylistique dans le cadre de l'universalité de la forme et de l'esprit, ce qui
explique la persistance de son intérêt pour les sujets hors temps, quasi rituels. Ses œuvres sérielles, enfin, poussent à ses plus extrêmes conséquences le souci de rigueur au détriment de
l'élément subjectif et prennent appui sur le seul phénomène musical collectif du XXe siècle. Son parcours pourrait apparaître ainsi non plus comme une succession d'adhésions et de désengagements, qui conduisent alors nécessairement à douter de son
authenticité profonde, mais comme témoignant d'une réelle unité.
Littérature
Stravinski a écrit deux livres, fréquemment réédités. Le premier, Chroniques de ma vie, est une autobiographie racontant sa vie jusqu'en 1935. Elle a par
la suite été rééditée en 1962 et régulièrement depuis. Le second ouvrage, Poétique musicale, rédigé en 1945, est un essai sur la musique.
Robert Craft, son ami et son collaborateur pour les trente dernières années de sa vie, a également rédigé de nombreux volumes avec ou sur le compositeur.
Mentionnons ici ceux rédigés en collaboration avec lui : Conversations with Igor Stravinsky, Souvenirs et Commentaires, Expositions and Developments, Dialogues
and a Diary, Themes and Episodes et Retrospectives and a conclusion.
L'ouvrage Souvenirs sur Igor Stravinsky, écrit en 1929 par Charles Ferdinand Ramuz , constitue un témoignage de l'amitié entre les deux
artistes.
Son fils aîné, Théodore Strawinsky, a écrit un ouvrage sur le musicien Le message d'Igor Strawinsky, publié en 1948 et réédité en 1980. Il a aussi rédigé
un livre de souvenirs sur ses parents Catherine et Igor Strawinsky, album de famille, en 1973.
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